PABELLÓN IV

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Y fueron felices x siempre jamás

Fotografía - video instalación (Sala III)
Apertura Martes 1 de Junio, 2010 - 20hs.

Cierre el Sábado 3 de Julio, 2010.
(lunes a sábado de 16 a 20 Hs.)

La obra de Jimena Brescia es una delicada elaboración de una teoría de construccion de lo femenino. En la película "Orlando" de Sally Potter basada en el texto de Virginia Wolf, el protagonista se inicia al mundo subjetivo como hombre, un joven isabelino bello y femenino que luego de cuatro épocas históricas claves, va transmutando su sexuación en sabanas blancas, hasta renacer en una joven y andrógina mujer contemporánea. Ella junto a su pequeña hija se abrazan al ritmo de la música de Jimmy Summerville. La contundente belleza ética de las preguntas de Potter se manifiestan en Brescia, hombres y mujeres construimos sobre nuestros cuerpos biológicos la sexuación elegida como identidad posible de Deseo. La sociedad y la historia cuestionaron moralmente esta decisión ética hasta hoy, donde elegimos que ser.

La maravilla del arte es esa posibilidad de poetizar sobre estos devenires del Deseo.

Las imágenes de Jimena se despliegan en esta posibilidad de crear y cuestionar los semblantes de la belleza desde el Deseo. El video y la fotografía son las herramientas perfománticas para delinear este territorio de posibilidades de seducción del cuerpo y el erotismo en los devenires de su construcción. "Empaquetada" es una pieza de video donde frente a cámara una mujer deconstruye lúdicamente la máscara femenina, y como en el video "Diva" de Annie Lennox y en las fotos de Nan Goldin , el género del autorretrato redefine la identidad del artista cuestionando al mismo tiempo el concepto de identidad femenina que la sociedad propone.En el video "Show me love" la imagen de Mujer es una cartografía cosmética de construcción múltiple. Ellas, ambas, maquillándose hasta que la máscara sea perfecta. Luego el vacío, una falta en ser donde la desnudez ahora es a través del cabello, ambas sin peluca, celeste o rosa, desnudas frente a la pregunta de Que es una mujer? Amor, la palabra mas contundente de todos los tiempos es el password de las obras de Jimena. Es el Amor la palabra que se une a Deseo. En "River of Love", se re-diseña el concepto de familia y allí la fuerza latina erotiza las nuevas iconografías vinculares. Como en las imágenes de Marcos López y Alessandra Sanguinetti, naturaleza irreal, humor, hardcore y romanticismo se entrelazan. Hoy "Ella" mujer-niña, como antes Orlando, es una nueva amazona, una neo guerrillera en Colombia, rodeada de sus hombres y su posible hija, mira a la cámara de frente, con valor al ritmo de Out of Control de Chemical Brothers y Un bombón asesino.

Fabiana Barreda

DE BRASIL

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INFOSURR

Une nouvelle publication aux éditions du Grand Tamanoir
Sébastien Doubinsky
Tableaux Noirs
Dessins de Christian Martinache
34 tableaux en hommage à une couleur qui les efface toutes.
34 tableaux pour ne voir que le noir.
Et dire que certains demandent à la vie qu'elle soit rose !
Nous voilà embarqués pour de nouvelles conquêtes.
La marche à suivre est simple : se laisser dévorer par l'ombre
en lâchant totalement la proie.
On sait bien que la poésie est une des manières les plus efficaces
de tout abandonner au coin d'un bois obscur.
Tout, sauf le noir.
Les oiseaux de nuit, les terres toujours inconnues, la révolution,
forcément la nuit, l'amour aussi :
Sébastien Doubinsky est un veilleur,
qui ne désire rien d'autre que d'être absorbé
par son sujet.
Sur fond noir, l'éclat de tout ce qui vit vraiment est garanti.
Voilà donc en accéléré quelques leçons de ténèbres.
Mais pour se mettre à cette école, il est nécessaire de mériter le zérode
conduite et de savoir prononcer avec une certain plaisir ce petit mot,
rapide et sec comme un soupir :
néant.

34 poems in tribute to the color that erases them all.
34 poems to peer into the darkness.
No "vie en rose" here!
We are sailing towards new conquests.
How to join is easy: let yourself engulfed by darkness,
letting everything go.
It is well known that poetry is one of the most efficient ways to abandon
everything at the corners of a dark wood.
Everything but blackness.
Night birds, terrae incognitae, revolutions, night of course, but love too:
Sébastien Doubinsky is a watchman, who lets himself sink into his writing matter.
On a black background, every living thing shines.
A speed-course on darkness.
But to be accepted as a student, you have to knowhow to fail and how
to pronounce with some unfeigned pleasure this little word,
dry and quick as a breath: nothingness.

Un livre de 96 pp. , 15 x 21 cm,
avec 34 dessins inédits et une couverture en couleursde Christian Martinache.

ISBN : 978-2-9531333-2-5

Tirage de tête : 20 exemplaires numérotés de 1 à 20
et signés par les auteurs, augmentés d’une estampe numérique
signée de Christian Martinache .
Le tirage de tête : 30 € L’ouvrage en tirage courant : 10 € Bulletin
à envoyer avec votre règlement à
Le Grand Tamanoir, 17, rue Jeanne d'Arc, 58000
Nevers, France
tamanoir@infosurr.net

www.infosurr.net/grand-tamanoir

Tableaux noirs est le 3e volume des éditions du
Grand Tamanoir

Richard Walter

INFOSURR

infosurr@infosurr.net

http://www.infosurr.net

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Visit IFPDA Members at
St. Louis Print Fair
Works of Art V.
What's On:
IlinoisMissouriMichigan
Visit Museum of Art, Rhode Island School of Design's interactive web site for:eThe Brilliant Line, Following the Early Modern EngraverNominated for a 2010 Webby Award
SAVE THE DATE!
20th AnniversaryIFPDA PRINT FAIR
November 4 - 7, 2010
　
　


Public Program:The Knowledge of Nobody: Albrecht Dürer's Melencolia, I Date: May 13, 2010Time: 6 pmMary & Leigh Block Museum of ArtNorthwestern University 40 Arts Circle DriveEvanston, Illinois 60208Description:Contemporary art critics are often inclined to attribute some kind of technical determinism to art forms rooted in mechanical processes. Peter Parshall, Curator of Old Master Prints, National Gallery of Art, Washington, evaluates whether these assumptions have any historical foundations by examining Albrecht Dürer's famous engraving. This program is in conjunction with The Brilliant Line: Following the Early Modern Engraver, 1480 - 1650 on view at the Museum through June 20. Sponsored in part by the International Fine Print Dealers Association and by the Alice Kaplan Institute for the Humanities, Northwestern University.
　
　

St. Louis Fine Print, Rare Book, & Paper Arts Fair May 15 - May 16, 2010
Public HoursSaturday 10 am - 7 pmSunday 11 am - 5 pmAdmission $5The Saint Louis Mercantile Library Thomas Jefferson Library Building One University Boulevard St. Louis, MO 63121Benefit PreviewFriday May 14, 6 pm - 9 pm$50/person $90/couple
IFPDA Members Exhibiting
Kiechel Fine Art Lincoln, NEPlatt Fine Art Chicago, ILThe Old Print Shop New York, NY
　
　

Works of Art V
Jun 4 - Jun 6, 2010

Public Hours Saturday 10 am - 6pm Sunday 1 pm - 4 pm Opening Reception Friday June 4, 5 pm - 8 pm Birmingham Bloomfield Art Center 1516 S. CranbrookBirmingham, MI 48009 IFPDA Members ExhibitingParamour Fine Arts Franklin, MIStewart and Stewart Bloomfield Hills, MI
　
About the IFPDA The IFPDA is a non-profit organization dedicated to ensuring the highest ethical standards and quality among fine print dealers, and to promoting greater appreciation of prints among art collectors and the general public. www.ifpda.org.
The IFPDA is proud to be a member of CINOA.
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Natalia ABOT-GLENZ / 2010

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Natalia ABOT-GLENZ

Vayamos, primero, a la sensación.
No a los textos de presentación , ni al perimido flyer, que se nos quedó allá lejos, en la vorágine última de los archivos de los viejos e-mail que ya nada tienen para decirnos .

No iremos tampoco, a los pretendidos postulados conceptuales que ni siquiera están, afortunadamente, de moda .

No vamos a alardear con el antiguo simulacro, ni la reivindicación de la “parodia” mal comprendida o peor traducida como “algo novedoso” .

El primer impacto, la impresión directa, conduce a encontrarse fusionados con el hacer de esta artista.

Nos descubrimos imprevistamente abrazando un espacio, que más tarde disparará
en nuestras miradas y en nuestra mente las palabras :
gracia, frescura, juventud, desmaterialización, ritmos y alegría.

Estimo que son términos tan sencillos como profundos, que resguardan aún cierto
potencial de misterio, como amor, amistad y pasión, de difícil acceso para los
“observadores cultos”, mientras ontologizan todo sin dejar de nombrar a Heidegger
o invocar su nombre en vano , su obra hasta desgastar sus palabras y hacerles perder sentido.

Ellos discurren sobre el enorme supuesto potencial de la “pérdida de sentido”
en nuestra época, a la vez que terminan ocultando al autor y sus creaciones,
para dedicar el tiempo a “nombrarse” y ex - hibirse vía “Martin” . . .
“porque es escudo” .

Prefiero evocar-recordar la alegría sincera por ser y estar (como artista-en-el-mundo) ,
lo que presupone directamente abrazar un oficio.
Un hacer sin lo pretencioso - como a priori – preconcebido, ya etiquetado
( y como si fuera poco, lúdico ) que una obra debiera poseer ,
para representar todas las veces necesarias, con diferentes formatos,
las figuras de las concesiones impuestas .

Modelos previos, codificados, sumisos , que seguramente se incorporarían ,
según ciertos "diktats" , al "circuito" estéril, pequeño y mezquino delimitado
por algunos curadores o críticos que detentan un poder legitimador más imaginario
que real, siempre acotado a lo local, sin inserción o gravitación alguna a escala
internacional seria.

Dejemos “el debate” por el momento y volvamos al juego profundo,
en el sentido planteado por alguien de la envergadura de Jean Dubuffet en su época:
el del Arte como “Juego mayor del Hombre".

Esta demarcación descarta de plano lo lúdico de pacotilla, " taquillero" ,
tanto como a “la imagen de la semana” o “a la artista del mes “ …
que alimenta la actual omnipresente “Industria del Entretenimiento”,
para la revuelta “transgresora” y efímera de revista especializada de los sábados
o los domingos y sus domingueros .

Es que Natalia, nos ha propuesto en el marco de una exposición
muy bien montada, bien iluminada y distribuída, con los espacios, marcos y
"campos de aire" necesarios para la expansión de una obra seria, digna y responsable ,
una mirada sensible, aérea y plena en contrapuntos como muchas veces es deseable que sea dado en una exposición relevante, por su formatividad formante respaldada con una una buena selección y presencia de sus dibujos .
Contraste, y más ajustada aún, es la palabra contrapunto.

Sus llamados a Hokusai, sensibles y amorosos, la integran con el Maestro, más desde el espacio como ausencia generadora que desde la escritura libre o la literalidad primera del kanji , traducido por manos femeninas occidentales, ya que la ortogonalidad no está presente como marco contenedor.

Abot-Glenz nos propone " las cintas y las serpentinas libres “ que alegremente tienden a abrazar espacios, a develarlos, despojándolos de su parquedad , de su virtuosismo pseudo-surreal (pasado y re-visitado mil veces) al cual recurren algunos de sus contemporáneos que exponen como “novedad” , en paralelo, sus “obras prestigiosas” en sitios legitimadores de nuestra ciudad .

Natalia nos invita a fluir , en no-sitios evanescentes que por instantes recuerdan las fugas, el punto exacto de “L ´Amour Fugit” de Rodin que requiere siempre -para su interpretación-, ser desnudado del banco de datos figurativos, dejarse arrastrar por lo Figural, y quedarnos o dejarnos “congelar” emocionalmente por el instante preciso del corte nada lacónico de aquella mirada genial.

Sus estructuras rítmicas espaciales (si nos colocamos en la vía de una suerte de percepción , no sin la adecuada dosis de neo-estructuralismo traducido a las artes aplicadas, a su modo comunicacional actual , al material primero y acto seguido, a la materia elevada a la categoría de uno de los lenguajes supremos de la Humanidad) podrían sostenerse como precisamente estructuras que siempre dejan abierto el viejo debate entre forma contra estructura y viceversa : el acto de re-flexionar, de pensar, contraponer , y dilucidar quién es la antesala, el ágora o la “posibilidad” de la otra.

Ya por fuera de la discordia y el ejercicio de la teoría crítica de primer nivel, nos dejamos llevar nuevamente por sus rítmicas gesticulaciones espaciales. Si en otros instantes del recorrido de su obra, abandonamos “la verdad con su justificación filosófica” y nos entregamos a nuestra mirada, la que caería por ejemplo, sobre la tentación de seguir una curva y ver dónde cae por detrás , como en un clásico desnudo de Moore ... y vemos fácilmente, cómo el británico buscaba magistralmente aquella “reiteración esperada con tiempos disímiles y asimetrías expresivas “, que recaen en el estudio sabio de lo que natural era, en base “ a los datos del mundo fenoménico “ , en la posterior debida , acumulada , abstracción y asociaciones de formas más elaboradas en la yema de sus dedos , tangibles en un cuerpo, en una pareja, en un desnudo femenino recostado, quizás, como el que podemos apreciar en nuestro Museo Nacional de Bellas Artes.


Cabe remarcar una diferencia sustancial:
mientras en Moore el destino de la curva que recorremos termina abrazando un
largo proceso (el que le implicó ir de lo figurativo a lo abstracto, pasando previamente
por la “Matrix Picassiana” ) , en Abot no debiera buscarse el ritmo en tales términos pues nacen, si podemos decirlo así, desde la propia invención, desde su íntima relación con los elementos formales que le fueron dados a arriesgar, e históricamente hablando, desde la tercera generación ya de artistas abstractos en nuestro país. Hay al respecto, y ´contrastivamente aludiendo ´ , una imagen que en estos instantes me viene a la mente y es la de aquella obra del “ primer Picasso “ : “La Fillete à la Boule” (*)
(que posee y transmite una suerte de síncopa, algo de la sensación del contraste de “una roca contra una serpentina festiva ”), que arrastra asimismo, dicho sea de paso, pasteles tributarios a un de Chavannes evocador de la tradición arcádica , pastoral, a la vez que choca con ese carácter siempre potente y “ españolísimo “ , dado por la figura de la pareja de saltimbanquis, donde la "chavala" , llena de gracia, de soltura y destreza, aparece en franco contrapunto, con la masa de “la roca”, la severidad y austeridad de la figura de la derecha.

A Natalia, claro está, en este juego mayor, le toca encarnar el rol de “la sensualidad y la gracia de la serpentina” en relación al contrapunto que propuso la masculina figura picassiana en su momento.

Probablemente, esta suerte de articulación compositiva, con algo de “excavación histórica reciente” durante este relato, solo pueda comprenderse desde los contrarios espaciales con pirámides invertidas y tomadas por el vértice observables en un Oteiza (que enseñó en Buenos Aires durante su exilio forzoso) ; por momentos, en algunos de los “imbricados recovecos” de Chirino, pero no, con toda seguridad, en la “Luz Negra” de Chillida.

Es que claro (y no tan obviamente), la tactilidad de la mirada espacial dispone
tiempos de las líneas y perfiles en sus maderas ensambladas que, tal como cabe
a una joven del siglo XXI, no responden a los esfuerzos que debieron realizar aquellos
grandes Maestros de las vanguardias o ismos históricos para alcanzar un estadio de “abstracción” o de no– figuración, con el peso de la larga traducción que debieron realizar-afrontar destacados artistas : de Mondrian y Kandinsky -sin olvidar a Klee- , a los Maestros de Vuthemas o a un Rodchenko.

Si finalmente de asociar caprichosamente se trata, podríamos “regresar” a nuestra generosa y extendida América , regodearnos con Othake y su dinámica espacial, que no dista de la comprensión profunda de una espiritualidad de estas características y que nos es de gran potencial, para la dinámica de algunos planteos que estamos estudiando hoy en este seminario.

Más cerca nuestro, debiéramos recordar dónde hace nacer la curva Laura Massoni, en su traducción y conocimiento espacial de la escultura hacia la pintura, especialmente en aquellas obras de los ´90, donde el espacio es el protagonista.
Si sumamos y no restamos aquí tenemos una sucesión de tiempos, que sólo cuando se analizan con paciencia los perfiles debidos, envolventes - expresados en la trama escultórica- sumado a la cadencia y sus sutilezas, abren el camino a aquella brecha que desafía tanto a la tectonicidad académicamente entendida , como a lo gravitacional de una plomada de escultor clásico. Esta posibilidad de vuelo, de altura, de flujo y generosidad, son una fiesta para el espíritu, de quien esté dispuesto a danzar junto a los ritmos y contrapuntos de Natalia.

Tuve la fortuna de estar tres veces de visita en esta exposición: dos, dialogando en silencio, con tiempo, con las formas, la luz y el espacio. Fue todo un privilegio. La contemplación " lenta " , pausada, junto al goce sano, honesto, se ha hecho carne, en el sitio preciso, ( en el lugar como artista y hacedor con cierto nivel de conciencia requerido para , de cara a lo que uno es y hace) lograr una observancia de la obra, desde dentro de la obra, sin necesidad de apropiarse de "miradas inatentas" ; es decir, ver desde la parte secreta de una escultora que es intimista y contraria a la mediocre y banal espectacularidad propuesta por muchos de sus contemporáneos quienes no tardarán en desaparecer en el falso fervor del “exitismo requerido o impuesto”; o de ir más allá de las dos temporadas que coyunturalmente la sociedad, los medios y la cultura de la anestesia local les han dedicado y en la cual han creído.

Unas líneas más, sugiere y reclama el material.

La madera en las piezas de Natalia (e insisto, en el sabio manejo de la temporalidad de las mismas a la hora de convertirse en espacio también), la “ soportable ingravidez del ser “ , como el encontrar los perfiles y el sitio donde “caen a tierra” y “ el dónde” las emplaza, nos “hablan” de una cierta maestría .
Recuerdan : esfuerzo y mucho estudio .
Signan una sensibilidad , un saber hacer, que sólo es comparable con la sapiencia de algunos pocos de nuestros Grandes Maestros, como lo son Macchi, Blaszko y, no mucho antes un Lucio Fontana .

No hay que temer a la palabra TRADICIÓN bien entendida.
Menos, a IDENTIDAD.

Estimo, modestamente hablando y escribiendo desde la postura de quien hace en arte,
que se trató de una de las mejores exposiciones que nos han sido dadas a contemplar en este inicio de temporada en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires.

Queda “el formato de archivo de una expo” para la epidermis de los sempiternos insatisfechos, pensar que las dimensiones debieran ser mayores (son los que confunden monumentalidad con gigantismo o espectacularidad-especular-hedonista) ;
que el material, debiera ser acero o hierro de fragua ancestral, como para acercar el dominio de la materia, del material, a aquellas producciones dignas de los países de metálica tradición industrial, y que podrían tener como referentes a un Venet en Francia “a la defensiva” en su monotonía rítmica y letargo, en “La Défense” de Paris.

No estoy de acuerdo.

La grandeza, la generosidad y la dignidad de algo que mal interpretado, se consideraría “artesanal” es precisamente lo que da un fragmento álgido de la dimensión INTIMIDAD, contrastando, una vez más, con la parafernalia, el griterío y el despliegue pseudo-tecnológico que esta obra no necesita, para signar una poética aérea, vital, joven y audaz. Estamos, estoy, del lado de la gracia del vuelo, y en la vereda de la severidad que un entorno no muy adecuado, ni mejor cuidado en sus aspectos más elementales, termina violentando brutalmente la fineza de lo que ha sido llamado a ser Arte con mayúsculas. Si deseo ubicarme mejor, me coloco en el centro del medio (como hubiera sostenido Matta) , allí, en el puente, “en la relación” , en el “entre fuerzas" y conjunciones, como observador inocente, sitio de tensión corporal pleno , que permite hacer ver y sentir con los ojos cerrados.


G. C. / BUENOS AIRES / Otoño de 2010


(*) Pablo PICASSO ,

“Fillete à la boule” , 1905 / 147 x 95 cm /

Musée Pouschkine , Moscú.
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EL DIBUJO

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EL DIBUJO y SUS SIGNOS .


TERMINOLOGÍA BÁSICA y ESPECÍFICA PARA NUESTROS TALLERES .
UNIDAD DE CRITERIOS.

UNIFICACIÓN DE LOS CÓDIGOS DE LOS SISTEMAS DE :

REPRESENTACIÓN-PRESENTACIÓN , CLÁSICOS y ACTUALES .

Por la Prof. Sup. y Lic. ADRIANA MARINO ( N - I )
DAV - IUNA / JTP / CÁTEDRA de GUILLERMO CUELLO


“El dibujo no es la forma ni la estructura,
sin embargo, es imaginación liberadadora de fuerzas,
el punto de partida para la embrionaria ´evidenciación´
de las mismas “ .

G. C .
Otoño de 1991



Nombres vinculados a las acciones de la representación gráfica.


Apunte:
(derivado de apuntar, señalar) dibujo o pintura hechos rápidamente del natural, con pocas líneas o pinceladas, para conservar la idea o detalle de alguna cosa. Deriv. del latín puncta, extremo agudo de una cosa. Va a la sensación inmediata. Se incorpora al corpus de la memoria o al “museo y catálogo de imágenes interiores que un artista debe guardar” .
(Leonardo Da Vinci) .

Boceto:
ensayo gráfico hecho en diferentes artes, como en la pintura, antes de realizar la obra definitiva. Deriv: “abocetar”. Del italiano bozzetto, con el mismo significado, diminutivo de bozza, piedra sin debastar.

Borrador:
dibujo provisional, se pueden hacer adiciones, supresiones o enmiendas. Libro donde los artistas apuntan sus ideas.

Bosquejo:
traza primera y no definitiva de una obra de arte, con alguna vaguedad o indeterminación respecto a la idea o proyecto definitivo. Idea vaga. Probablemente derivado de bosquejar, en catalán, desbastar un tronco, de bosc, bosque.

Croquis:
diseño o dibujo ligero de un objeto, paisaje o territorio realizado a mano alzada, sin valerse de instrumentos geométricos. Tanteo. Del francés croquis, deriv. De croquer, “indicar" sólo a grandes rasgos la primera idea de un cuadro o dibujo. Croquis acotado: el que se completa con líneas y cifras de cota para indicar las medidas de sus elementos.

Esbozo:
bosquejo. Forma primaria de la “idea de un cuadro”, “composición” o escultura. Algo que puede alcanzar mayor desarrollo. Deriv. “esbozar”. Del italiano sbozzo, con el mismo significado. De la misma raíz que boceto.

Esquema:
representación gráfica, trazos simplificados, de carácter geométrico, útiles para una demostración. Representación gráfica de elementos conceptuales.

Estudio:
trabajo en el cual se estudia o dilucida una cuestión. Dibujo o pintura que se hace como preparación o tanteo para una obra principal.

Proyecto:
dibujo o conjunto de documentos, escritos y cálculos, realizados con la intención de realizar otra obra con determinados medios. Para dar idea de cómo ha de ser. Deriv. “proyectar” y “proyectista”. Derivado del latín proiectus, “arrojado”.

Síntesis :
composición de un todo por la reunión de sus partes. Derivado del griego syntesis, de igual significado.

Los distintos esbozos van acercándose a bocetos que luego generan croquis definitivos, desde ahí se estructura la composición del trabajo final. Son intentos, tanteos. Toda representación, hasta la más cercana a la figuración, es siempre un recorrido interiorizado de la realidad a través del cual intentamos ordenar el caos de nuestro entorno. El dibujo es la herramienta esencial del pensamiento artístico de los grandes maestros.

La posibilidad de aprender a recorrer distintos caminos, a mirar desde diferentes aristas, a entender distintos modos de “pensamiento” es lo que avala la práctica de “copiar para ver mejor”, uno de los preceptos de Giacometti, gran artista del siglo XX. Reivindicar el diálogo que se establece con los “grandes” cuando se hace énfasis en conocer y aprender los recorridos o tratar de descifrar las claves de sus obras es una práctica que debemos alentar.

Reinterpretar, repensar, desmenuzar, desnudar… revalorizar lo que otros y otras culturas nos han legado.

Como aplicación concreta de los dibujos de los maestros se proponen las prácticas siguientes:

1_ Copias exactas
2_ Copias “a la manera de...”
3_Originales “a la manera de…”
4_ Copias traducidas con distintos medios.

Toda la constancia y el esfuerzo que hemos visto en los grandes maestros de plasmar a través del dibujo una forma de pensar y de hacer, parecen olvidarse en gran parte en nuestros centros de enseñanza. Aparentemente la fórmula del éxito en el arte actual no coincide con los tiempos necesarios para el desarrollo y la profundización de una manera de hacer y de estar. El hecho de que la renovación de la pedagogía se realizase en plena efervescencia del informalismo es una cuestión que todavía no hemos superado. Relacionar la creatividad con la soltura, y ésta con la falta de referente, nos ha hecho creer que todo esfuerzo analítico de indagación sobre el sentido de la representación, sobre los problemas fundamentales de la estructura, no son necesarios. Debemos recuperar la pasión por el descubrir, por analizar, proyectar, en profundidad, para que el trabajo no sea sólo una simple mirada superficial.


A. M. Buenos Aires / Mayo de 2010


Bibliografía sugerida:

(1) Gómez Molina, J.J., Cabezas, L. , Copón, M., “ Los Nombres del dibujo”, Ed Cátedra, Madrid, 2005.

(2) Gómez Molina, J. J., Cabezas, L., Bordes, J., “El Manual de Dibujo” Estrategias de su enseñanza en el siglo XX, Ed. Cátedra, Madrid, 2005.

(3) Gómez Molina, J. J. (Coord)”La representación de la representación”, Ed. Cátedra, Madrid 2007. (*)


(*) Nuestro siempre cálido y renovado afecto a Manena Rosado y al Maestro Gómez-Molina, de la BBAA-UCM , extensivo a Ed. Cátedra (Madrid) que generosamente han autorizado a indagar en las publicaciones acerca del Dibujo en todas sus formas.


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CLASE MAGISTRAL PARA TODAS LAS COMISIONES

por GUILLERMO CUELLO :

Viernes 14.5.2010 / 18.45 hs.

(Se ruega puntualidad) .

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EQUIPO - GC / BUENOS AIRES - OTOÑO 2010

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